Новости

В день рождения Аркадия Ипполитова, хранителя итальянской гравюры XV – XVII веков Отдела западноевропейского искусства Государственного Эрмитажа в K Gallery открылась выставка «MELANCHOLIA. Памяти Аркадия Ипполитова». На ней будут работы Александра Белослудцева, Беллы Матвеевой, Бориса Смелова, Георгия Гурьянова, Дани Акулина, Дмитрия Сироткина, Евгения Мохорева, Егора Острова, Ильи Пиганова, Максима Атаянца, Михаила Розанова, Николы Самонова, Ольги Солдатовой, Ольги Тобрелутс, Тимура Новикова, и также работы группового проекта «Золотой Осел».К открытию вышел большой том статей и эссе Аркадия Ипполитова. В него вошли воспоминания его близких друзей, коллег, соратников – Зельфиры Трегуловой, Натальи Самойленко, Любови Аркус, Михаила Нисенбаума, Екатерины Андреевой, Василия Успенского, Ирины Тархановой, Юлии Демиденко, Ольги Тобрелутс, Дмитрия Сироткина и уникальные фотографии разных лет.Впервые именно фигура искусствоведа, историка и писателя оказывается в центре большой экспозиции, посвященной современным российским художникам. О принципах отбора работ, о ключевых именах и оригинальной концепции рассказывает автор идеи и сокуратор выставки, художник Ольга Тобрелутс:«Все началось с того, что я решила собрать тексты Аркадия Ипполитова, которые он писал о современных российских художниках, а точнее, о своих друзьях и знакомых. Круг авторов, с которыми он работал, был довольно узок. И хотя к нему обращались многие, он никогда не изменял себе и соглашался писать только в том случае, если идея проекта или личность художника его по-настоящему увлекала. Собрать тексты мне показалось необходимым и важным в первую очередь, чтобы их сохранить. Так сложилось, что их мало кто видел и читал. Писались они, как правило, для малотиражных каталогов или в качестве аннотации к выставке, но как отдельный сборник никогда не издавались.Друг Аркадия, известный критик Сергей Николаевич и галерист Кристина Березовская предложили сделать сборник и выставку в KGallery, с чего и началась вся история работы над этим проектом, объединившим множество людей.Я знала всех художников, с которыми сотрудничал Аркадий, и поэтому список авторов был собран довольно быстро. А вот тексты Ипполитова собирались с большим трудом. Ранние его сочинения были опубликованы в не оцифрованных каталогах и пресс релизах, существующих только на бумаге. Их приходилось перенабирать вручную. Многие уже считались потерянными, их каким-то невероятным усилием удалось отыскать. Будучи очень закрытым человеком, Аркадий Ипполитов через друзей художников сам становился в каком-то смысле художником. Например, совершенно неожиданно выступил соавтором в проекте «Несовременное искусство» Егора Острова и Елены Уланцевой, написав целый манифест, что же такое современное искусство. С этого текста и начинается наш сборник, задавая главную тему. Как вспоминала Уланцева, Аркадий любил проводить время у них в гостях в доме на Николиной горе, где он беседовал с Егором о его уникальной живописной технике и его новых проектах, и благодаря этому Елене Уланцевой удалось сделать серию прекрасных фотографий Аркадия, которые вошли в сборник.По сути единственной картиной, которую Аркадий когда-либо заказывал художнику, была картина Егора Острова для его рабочего кабинета по мотивам гравюры Альбрехта Дюрера «Melencolia I». В центре изображения сидит крылатая женщина, подперев голову рукой, загадочная и мрачная. Это гравюра является олицетворением меланхолии. Сергей Николаевич предложил взять его как название сборника и одноименной выставки в KGallery.Общаясь с разными людьми из разных художественных миров, Аркадий никогда не пересекал их друг с другом, уделяя время каждому индивидуально. В тексте для каталога Ильи Пиганова размышления над проблемой отношений между отцом и сыном выходят на первый план и становятся красной линией проекта. В проекте «Кесарь и Галилеянин», над которым я работала два года, и в 2003 году вышел каталог, Аркадий рассуждает о истинной Вере и безверии: «В ней ставится извечная проблема разума и веры, философского скепсиса и духовной сущности. Юлиан и есть борьба Афин и Иерусалима, и главный вопрос — вопрос выбора пути к тому, «остаться рабом под гнетом страха, или стать властелином в стране света». Через Афины или через Иерусалим лежит путь к очищенному свету, через красоту мысли и чувства, заключенных в совершенных формах людей, прекрасных, как боги, или через невнятный абсурд убогих телом и нищих духом?» Возможно ли совместить Афины и Иерусалим? В общении с Белой Матвеевой он вдохновляется ее невероятной смелостью и раскованностью художника не только в написании своих картин, но и в повседневной жизни. В сборник «Писем к Белле», в который она попросила написать друзей художников, Аркадий посвятил прекрасный текст своей дружбе с Беллой, но, не будучи уверенным, что текст ей понравится, на всякий случай называет ее Верой и прекрасно обьясняет сам, чем была мотивирована его дружба и сотрудничество с современными художниками: «Я к этому времени изменился, понял, что ковыряние в носу и думание о Понтормо хорошо лишь тогда, когда они не поза, а насущная потребность; что тыкать своей избранностью всем в нос не стоит и что Понтормо Понтормой, а живущие рядом со мной художники тоже вполне себе духовны, и художественное творчество a priori заслуживает уважения в большей степени, чем любая другая деятельность. Понял я также, что художественная богема, хотя и безбожно путала три фамилии художников, которыми я занимался, о которых писал и выставки которых я делал, Понтормо, Пармиджанино и Пиранези, понимает в них гораздо больше и говорит о них лучше и интереснее, чем представители моей профессиональной среды, косной, вялой и неумной; мозги моих коллег так отдраены Лаканом и Бартом — это я говорю о лучших представителях, оставляя в стороне обычную музейную публику, кругозор которой ограничивается «Панорамой ТВ» и командировками за границу, — что стерлись до гладкости обкатанного морем голыша…»Почти всю жизнь Аркадий дружил с Александром Тимофеевским и Николой Самоновым. Восхищаясь и собирая работы Николы, он сделал с ним, к сожалению, всего одну выставку – «Бар закрыт», которая прошла в галерее «Борей». Поначалу ему казалось, как утверждает Никола, что нехорошо другу о друге писать тексты и делать выставки. И так понятно, что художник выдающийся, сиди и работай. Но, начав после нулевых все чаще и чаще «ходить с художниками в плаванье», Аркадий понял, что это упущение нужно срочно исправить, и общими усилиями они с Тимофеевским организовывают Николе выставку. В своей статье к каталогу он выделяет живописное мастерство Николы и пишет: «Что ж, модернизм — великий опыт. Выставка «Бар закрыт» — краткая история живописи последних ста тридцати пяти лет; история того, как она, после бессчётных констатаций смерти, всё ёщё живёт. Казалось, рыба сдохла, а вдруг как сильно двинула хвостом! Для художника Николы Самонова живопись прошлого не набор застывших отражений, а повод для переживания современности. Обломовский стоицизм: какая-то дремота перед взрывом, и ожидание, и отвращенье, последний стыд и полное блаженство — венецианцы, растворившие пластичность в потоке красочности, сотворили самостоятельную субстанцию, постоянно рождающую новые образы. Вечно длящееся Кабаре Веронез. Бар закрыт, но the show must go on».В работе над проектами фотохудожника Дмитрия Сироткина, с которым его обьединяли дружеские отношения, он делится своими опасениями за судьбу Петербурга и рассказывает о своем увлечении немецкой романтической музыкой, циклом романтических песен «Зимний путь» Шуберта, которую он слушал в последние годы жизни особенно часто. В тексте к одноименному проекту Дмитрия Сироткина Аркадий пишет: «Белый снег и белая ночь — душа Петербурга». Петербург его любимый город, город, который проходит главным мотивом у Тимура Новикова, Михаила Розанова, Бориса Смелова, в текстах к их выставкам он раскрывает тему Петербурга, его особой избранности. Снова и снова он путешествует по любимым местам дорогому сердцу городу и наслаждается возможностью рассказать о своей любви и боли в связи с изменениями, связанными с повальным капремонтом и разрушением привычного ландшафта.Очень важное и основополагающее в искусстве значение Аркадий Ипполитов отдавал умению рисовать. Поэтому эссе, написанное для выставок Максима Атаянца и Дани Акулина, раскрывает перед читателем такое важное понятие как рисунок внешнего и внутреннего взора, выделяя этих двух авторов и увлекаясь их произведениями, в которых видит спасение и возможность для будущих поколений художников.Георгий Гурьянов – нашу совместную с ним выставку Аркадий курировал в стенах музея Штиглица – перед самой смертью признался, что очень хотел бы, чтобы его посмертный каталог сделал Аркадий. Замечу, что при жизни Георгия у него так и не было напечатано ни одного персонального каталога. Помня о его желании, я попросила Аркадия написать вступительную статью к каталогу выставки, которая впоследствии прошла с большим успехом в стенах KGallery в 2022 году и стала его последним кураторским проектом. Каким же было мое изумление, когда работа над вступительной статьей растянулась на восемь долгих лет. Однажды, я попыталась напомнить об обещанной статье, и Аркадий, прямо глядя мне в глаза, с уверенностью сказал: «Когда я закончу работу над текстом для Георгия, так сразу и умру».Конечно, я больше не возвращалась к этой теме. Аркадий решил написать книгу об эпохе и героем своего сочинения выбрал именно Георгия. Рассказывая о нем, он подспудно раскрывает время и окружающую действительность, в которой суждено было родиться художнику. Вступительная статья переросла в большой и захватывающий труд, изданный ограниченным тиражом и ставший стержнем роскошного каталога художника. Поместив его в сборник, мы таким образом даем возможность большей аудитории познакомиться с текстом, который пронизан личным восприятием личности Георгия и создавшим образ эпохи через призму его творчества. Будучи настоящим провидцем, он точно знал, когда уйдет на повышение, и в своем тексте про Ноябрь рассказал, как все будет, когда его не станет.Благодаря редакторскому таланту Сергея Николаевича, сборник текстов про художников с любимыми картинами Аркадия Ипполитова превратился в настоящую повесть, где, следуя от текста к тексту, читатель имеет возможность проследить за тем, как менялись настроение и взгляды самого Аркадия, и каким безутешным для него казался мир в последние годы.»До 28.04.2024
Читать дальше

10 апреля 2024 года в 19:00 состоится камерный концерт скрипача-виртуоза Сергея Стадлера и солистов Симфонического оркестра Санкт-Петербурга, все средства от которого будут направлены на помощь детям с тяжёлой инвалидностью из детского дома-интерната – подопечным благотворительной организации «Перспективы». Вечер пройдёт в галерее современного искусства Artefice (Санкт-Петербург, Петроградская наб., 22). 27 лет назад первые волонтёры «Перспектив» пришли в детский дом-интернат № 4 в Павловске, в его самый «тяжёлый», 4 корпус. Жившие здесь ребята считались необучаемыми, ничего не чувствующими, ни в чём, кроме медицинского ухода, не нуждающимися. Многое изменилось, когда благодаря волонтёрам и сотрудникам «Перспектив» за многочисленными диагнозами в них увидели людей. Ребята стали учиться, много гулять, выезжать за пределы интерната, их мир расширился и наполнился красками жизни.В 2024 году «Перспективы» поддерживают 65 детей из этого корпуса: социальные кураторы и волонтёры программы «Дети вне семьи» ежедневно рядом с ребятами – и создают для них условия, приближенные к жизни обычных детей в семьях, стремятся выстроить вокруг каждого максимально помогающую и принимающую среду. Концертом «Виртуозная скрипичная музыка» Сергей Стадлер – народный артист России, скрипач-виртуоз и главный дирижёр Симфонического оркестра Санкт-Петербурга – решил поддержать эту работу. Все собранные средства будут направлены на благотворительную помощь.Ссылка на регистрацию и билеты: blizkiedrugie.timepad.ru/event/2798351/Гостей приглашают погрузиться в этот вечер в мир классической музыки, пройти сквозь время и пространство, через эпохи и открыть для себя такое направление как скрипичный романтизм. Познакомиться с музыкальными шедеврами величайших музыкантов своего времени — Родольфом Крейцером, Луи Шпором, Амадеем Моцартом, Джакомо Пуччини, Джузеппе Верди, Анри Вьётаном, Шарлем Огюстом де Берио.
Читать дальше

В разделе постоянной экспозиции «Религии Восток: индуизм» открывается выставка, посвященная одному из самых популярных индуистких божеств – Ганеше.Ганеша – сын бога Шивы и его супруги Парвати. Он изображается с человеческим туловищем красного или желтого цвета, большим животом, двумя, четырьмя, шестью или десятью руками и головой слона. Зачастую он восседает на крысе или мыши – своем вахане (ездовом животном). Его отличительной чертой является наличие только одного бивня. Согласно легенде, богиня мудрости Сарасвати подарила ему перо и чернила, чтобы он стал богом учености. Этим пером Ганеша записывал великую Махабхарату со слов мудреца Вьясы. Однако Вьяса диктовал очень быстро, и перо сломалось. Тогда Ганеша, чтобы не прерывать рассказа мудреца, обломил один из своих бивней и использовал его вместо пера. Вплоть до наших дней Ганеша – одно из самых популярных божеств индуистского пантеона, покровитель ученых, писателей, журналистов, писцов и студентов.Слоноголовый бог имеет собственные святилища и встречает верующих у входа в храмы других богов. С обращения к Ганеше как гаранту благополучия начинают любое дело или мероприятие: строительство дома, показ спектакля, написание книги, экзамен и путешествие. Особенно важно заручиться помощью Ганеши накануне свадьбы и Нового года.Ганеша появляется в эпосе и пуранах и занимает прочное место в индуистском пантеоне к VI в. н.э., а к IX-X вв. становится одним из ведущих богов. Его второе имя – Ганапати, так как он – «владыка ганы» (божеств, составляющих свиту бога Шивы).На выставке представлено более 20 музейных предметов, выполненных в различных техниках и происходящих из разных регионов Индии и Непала: красочные хромолитографии, литье, гипсовые и каменные скульптурки.Выставка открыта до 31 декабря 2024 года
Читать дальше

Первый в России мюзикл, созданный нейросетью, покажут в Петербурге в дни школьных каникул. 30 и 31 марта в ДК Ленсовета состоится беспрецедентная мировая премьера первого мюзикла, созданного при помощи нейросетей – «Шахерезада и волшебная лампа». Декорации, костюмы и проекции в атмосфере загадочного и манящего Востока генерировали такие нейросети как: Midjourney, Шедеврум и Meitu и CHAT GPT. Использование подобного технологического подхода станет трендом в индустрии развлечений в самое ближайшее время. У петербургских зрителей есть возможность увидеть гармоничный результат комбинации творчества человека и алгоритмов искусственного интеллекта. С помощью виртуозного волшебства нейросетей, воплощённого в декорациях, костюмах и видеопроекциях, зрители окажутся в темноте арабской ночи посреди великой пустыни, в загадочной и магической пещере, на узких восточных улочках, утопающих в пряных ароматах, и конечно же, в роскошном дворце Султана, царевны Будур и непревзойдённой Шахерезады. Сцена оживет полностью – а абсолютно все артисты, включая кордебалет и актеров второго плана, будут петь вживую даже во время динамичных танцев.Перед началом мюзикла зрители окунутся в атмосферу восточной сказки с помощью 3-минутного мультфильма, созданного в 2D и 3D технологиях. Он расскажет предысторию происходящего и подготовит зрителей к увлекательному путешествию. Великолепные костюмы и инструменты. Индийский хлопок, турецкий лен, парча, жаккард и шелковый атлас – каждый костюм – произведение искусства, собранное и расписанное вручную. В музыкальной палитре звучат как синтетические, так и живые инструменты – от дудука до редких ближневосточных и индийских: пахавадж, дарбука, тонбак, ситар и другие. Для маленьких зрителей предусмотрен бесплатный восточный аквагрим, фотозона в арабском стиле и возможность попробовать заморские сладости перед спектаклем.Композитор: Антон АндреевХудожник-постановщик: Ислам АктемировХореограф: Искандер ФахрутдиновХудожник по свету: Иван НикитинМузыкальный руководитель: Виктория КасумоваАвтор проекта и режиссёр: Андрей Пастушенкои ещё более 80 профессионалов из разных областей искусства создали эту музыкальную сказку для всей семьи.
Читать дальше

Музей современного искусства Эрарта представляет выставку фотографа Жерара Юфера, который исследует важный современный культурный феномен — музейОстроумный рассказ о посетителях Центра Помпиду, Лувра, МoМА и других известных институцийХудожественное и антропологическое исследование аудитории современных музеевВозможность увидеть себя со стороны и задуматься о собственном отношении к искусствуВпервые выставка «Один день в музее» была представлена в рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии — 2019» в Мультимедиа Арт Музее, Москва.Жерар Юфера много лет занимается фотожурналистикой и fashion-фотографией. Кроме того, он страстный меломан, любитель оперы и балета. В конце 90-х художник начал работать над серией книг, посвященных крупнейшим оперным театрам мира. Неслучайно именно Жерар Юфера вошел в число звездных фотографов, делавших съемку для книги о реконструкции Большого театра.В своем проекте Жерар Юфера исследует такой важный современный культурный феномен, как музей. Ему посвящены многочисленные фотокадры классиков мировой и российской фотографии второй половины ХХ века, а также работы молодых фотографов, снимавших российские и международные музеи уже в XXI веке. Внимание к этому явлению неслучайно: последние десятилетия музеи стремительно меняются, возникает массовый интерес к искусству, молодеет публика. В современный музей вторгаются концерты, перформансы, кинопоказы, поэтические вечера. Лекции и образовательные программы становятся нормой для музейной институции.Как аудитория ориентируется в музее, где кроме традиционных экскурсоводов появились аудиогиды, QR-коды, интерактивные приложения для телефонов? Сохраняется ли с появлением новых технологий и новых функций главное — момент личного контакта зрителя с произведением? Марсель Дюшан, в 1917 году установивший в нью-йоркском музее сушилку для посуды и знаменитый писсуар, этим концептуальным жестом подчеркнул важность музейного контекста для восприятия искусства, которое мертво без зрителя. Каждый из нас считывает произведение искусства в меру своей готовности: культурного багажа и возможности актуализировать свой опыт в данный конкретный момент.Жерар Юфера выступает в проекте в роли художника, антрополога и социолога. Тонко и с юмором он наблюдает, фиксирует и анализирует увиденное. Исследование, которое предпринял Жерар Юфера, — не только умный и остроумный рассказ о посетителях самых разных музеев — это возможность для каждого из нас увидеть себя со стороны и задуматься о собственном отношении к искусству.об автореЖерар Юфера — обладатель престижных международных премий, среди которых: Prix Villa Médicis hors les murs (1990), World Press Photo (1997), Fedrigoni Top Award (2013). Сотрудничает со многими ведущими мировыми изданиями: Libération, The Independent Magazine, Marie Claire (Италия), Marie Claire (Франция), Madame Figaro, Le Monde, L'Officiel, L'Express, Paris Match. Выставки Юфера проходили во многих музеях и галереях мира, в том числе в Musée de l'Elysée в Лозанне, Европейском доме фотографии в Париже. Является автором 14 книг. Работы автора находятся в собраниях Европейского дома фотографии (Париж), Национального фонда современного искусства (Париж), Лондонской национальной галереи, Национальной библиотеки Франции, Мультимедиа Арт Музея, Москва и др.26 апреля 2024 — 25 августа 2024
Читать дальше

«Петербургский ангел» возвращается на свою родную скамейку в Измайловском саду после участия в выставке-форуме «Россия».Бронзовый ангел представлял Петербург в мероприятиях Театрально-концертной недели и стал самым популярным объектом. После прибытия из столицы скульптура побывала в мастерской для проведения косметических работ.Кукольный мастер Роман Шустров посвятил памятник петербуржцам прежних дней. Они пережили вместе со своим городом гражданскую войну, репрессии и блокаду, но сохранили интеллигентность и любовь к жизни. Работу часто называют воплощением души Петербурга.• Церемония открытия «Петербургского ангела» состоится 19 марта в 12:00 при участии Комитета по культуре и Молодёжного театра на Фонтанке.
Читать дальше

Во дворце «Коттедж» состоялось открытие выставки «Дар», организованной совместно с Государственным Эрмитажем и приуроченной к Году семьи в России. Центральный экспонат выставки – живописный образ Святого Георгия Победоносца из собрания Эрмитажа. Уникальное по трактовке и иконографии произведение немецкого художника Евграфа Романовича Рейтерна и русского поэта Василия Андреевича Жуковского, близкого друга императорской семьи и воспитателя наследника, было создано к 25-летию супружеской жизни Николая I и Александры Федоровны. Дар предполагалось вручить в торжественной обстановке, под строки стихотворения Жуковского «1-ое июля 1842», но ожидания поэта не оправдались: картина и стихи лишь формально дошли до адресата и до недавнего времени существовали самостоятельно. Спустя почти два столетия музейные кураторы реализуют неосуществленный первоначальный замысел Жуковского. Голосом выставки стал народный артист России, общественный и музейный деятель Николай Буров, а образ Святого Георгия Победоносца дополняют венчальная пара из коллекции Эрмитажа и тематический видеоконтент.
Выставка предвосхищает знакомство с уникальной экспозицией дворца «Коттедж», где по-прежнему сохраняется особая атмосфера взаимной любви и уважения — подлинного, бесценного и хрупкого дара, который сумели пронести через всю свою жизнь Николай I и Александра Федоровна.
Выставка не случайно открывается в петергофском дворце «Коттедж». Созданный в парке Александрия специально для семьи Николая I, дворец стал своеобразной декорацией семейной идиллии царской четы. Здесь, вдали от суеты и придворного церемониала, супруги провели немало счастливых дней в окружении своих детей и близких, среди которых присутствовал и поэт Жуковский. Многочисленные письма императрицы и царских детей к своему воспитателю — свидетельства трогательной дружбы и близости, которую они бережно хранили на протяжении долгих лет. Летопись императорской резиденции хранит имя Жуковского как автора «средневекового» герба и девиза Александрии: меч, пропущенный через венок из белых роз, на лазоревом фоне геральдического щита со словами «За Веру, Царя и Отечество».
Герб нанесен на исторические предметы обстановки, посуду, декоративные элементы интерьеров Коттеджа

Читать дальше

Евгений Онегин живет на широкую ногу: балы, приемы, театральные премьеры и прочие развлечения, которые может предложить молодому человеку столица. Но светская жизнь давно утомила его, потому известие о болезни живущего в деревне дяди, он воспринимает, как возможность сбежать от опостылевшего света. Однако, добравшись до имения, Онегин узнает о кончине родственника, что, впрочем, не сильно расстраивает Евгения. Его финансовые дела весьма печальны, а дядя богат и других наследников у него нет. Онегин запирается в имении, сторонится соседей, которые очень скоро начинают называть его между собой чудаком. В бесцельном одиночестве Евгений живет до тех пор, пока в соседнем имении не объявляется вернувшийся из-за границы хозяин — юный, восторженный, еще не пресыщенный жизнью Ленский, который знакомит Евгения с сестрами Татьяной и Ольгой Лариными.

Читать дальше

1 марта 2024 года в Bashmakov Gallery на территории квартала «Ленполиграфмаш» начнет работу выставка «Метаморфозы эротики Сальвадора Дали» одного из самых эпатажных художников XX века. В экспозиции будет представлена оригинальная графика и впечатляющие объекты из стекла и бронзы из коллекции Павла Башмакова. Это одно из крупнейших частных собраний работ знаменитого сюрреалиста. Выставка продлится до 11 августа 2024 года. В Bashmakov Gallery можно будет познакомиться с богатым творческим наследием Сальвадора Дали, ставшего символом сюрреализма и прославившегося на весь мир своим уникальным стилем. «Метаморфозы эротики Сальвадора Дали» — это взгляд на природу сексуальности и чувственности сквозь призму сюрреалистических работ великого мастера. Гений Дали не нуждается в представлении. Символизм, игры и откровенность подсознания в сочетании с высочайшим художественным мастерством – лишь то немногое, чего ждешь от работ самого эпатажного художника XX века. Дали творил, взяв на вооружение теорию Фрейда и черпая вдохновение в подсознательных страхах и сексуальных фантазиях.«На протяжении всей своей жизни Дали изучал и познавал многогранность любви и чувственности. Он говорил: «Любовь проходит через мою душу, эротизм – через мои глаза. Я считаю любовь единственным достойным занятием в человеческой жизни». Всю жизнь художник был беззаветным певцом красоты физической любви и эротизма. При этом он решительно разделял эротику и порнографию, считая первую «божественной», а вторую «недоразвитой и сулящей неудачу» — отметил основатель Bashmakov Gallery и куратор выставки Павел Башмаков. В экспозицию вошли более 100 оригинальных работ Сальвадора Дали, среди которых — гравюры к «Тайным поэмам» Аполлинера и «Декамерону» Боккаччо, «Науке любви» Овидия и мемуарам Казановы, «Песни Песней царя Соломона» и «Венере в мехах» барона фон Захер-Мазоха, и другие. Изящным дополнением выставки станут бронзовые скульптуры, объекты из стекла и редкие прижизненные фотографии художника. Часть экспонатов будет представлена в России впервые. Выставка «Метаморфозы эротики Сальвадора Дали» пришла на смену экспозиции «Под единым небом» Марка Шагала, которую показывали в Bashmakov Gallery с октября 2023 года по февраль 2024 года и поставившая рекорд посещаемости для частных галерей. Экспозицию посетило более 20.000 зрителей. В портфолио галереи, основанной в 2010 году, выставочные проекты подлинных работ Сальвадора Дали, Пабло Пикассо, Василия Кандинского и других художников Парижской школы ХХ века, которые с большим успехом экспонируются в крупнейших региональных музеях России, а также за рубежом. Экспонаты из собрания Павла Башмакова неоднократно участвовали в выставках вГосударственном Эрмитаже. В конце 2023 года главный музей страны принял в дар от коллекционера «Божественную комедию» с ксилографиями Сальвадора Дали. Уникальные работы выставлены в Кабинете книги художника в здании Главного штаба. 16+Выставка «Метаморфозы эротики Сальвадора Дали» будет открыта с 1 марта 2024 года по 11 августа 2024 года в Bashmakov Gallery по адресу: квартал «Ленполиграфмаш», пр. Медиков д. 3А. График работы: без выходных, с 12.00 до 21.00, а по четвергам с 12.00 до 18.00
Читать дальше

1 марта марта в Музее политической истории России торжественно открывается выставка «ПолитФарфор. Из собрания музея политической истории России». Выставка представит музейную коллекцию советского политического фарфора. Рожденный революцией 1917 года, он стал мощным инструментом агитационно-массового искусства молодого советского государства. Коллекция начала формироваться сразу после создания музея — в 1919 году. Выставка «ПолитФарфор» демонстрирует развитие и трансформацию идей агитации и пропаганды на протяжении всего времени существования советского государства. Изображение на тарелках, вазах, чашах коммунистических лозунгов, символики и портретов революционных деятелей положило начало формированию такого уникального явления, как агитационный фарфор.В Стране Советов агитационно-массовое производство началось роскошно – на бывшем Императорском фарфором заводе. Властью была поставлена задача создать не просто посуду, а «агитационный фарфор в высоком смысле этого слова – революционный по содержанию, совершенный по форме, безупречный по техническому исполнению». Лучшие его образцы должны были пропагандировать лозунги и атрибутику новой социалистической России. Посетители музея смогут увидеть выдающиеся произведения мастеров Государственного фарфорового завода, которые под руководством блестящего художника и мастера орнамента Сергея Чехонина сумели воплотить самые яркие образцы искусства агитационного характера. С самого начала над созданием фарфоровых изделий трудились лучшие отечественные художники и скульпторы – Н.И. Альтман, Н.Я. Данько, А.В. Щекотихина-Потоцкая, А.Р. Голенкина, М.В. Лебедева, В.В. Кузнецов, М.М. Адамович, Р.Ф. Вильде, З.В. Кобылецкая. Благодаря их работам агитационный фарфор превратился из стандартного товара в уникальное явление в искусстве, что явилось причиной его успеха на международных выставках и популярности среди зарубежных коллекционеров. В течение всего советского периода, с изменением политической ситуации в стране, менялись и агитационная тематика, стилистика, художественные приоритеты. Постепенно, авторы уходили от прямой агитации, превращая свои работы в яркое праздничное украшение, не утратив при этом функции отражения идей социализма. На выставке можно увидеть уникальные произведения 1930 – 1960-х годов, периода расцвета советского фарфора. В этот момент революционная тематика ушла на второй план, а художники переключились на изображение сюжетов из жизни советского общества. На смену пришло новое поколение художников – Э.М. Криммер, А.А. Лепорская, В.Л. Семенов, чьи работы можно увидеть на выставке. Зрители познакомятся с редкими авторскими, эталонными произведениями выдающихся мастеров, среди которых Сергей Чехонин, Наталия Данько, Натан Альтман, Михаил Адамович, Рудольф Вильде и многих другие. Шедевры советской эпохи, ставшие явлением мировой культуры, представляют несомненный интерес, отражая дух времени и искреннюю веру человека в будущее. Часть работ демонстрируется впервые.
Читать дальше